聲音藝術是一種以聲音為主要媒介或材料的藝術活動。 與許多當代藝術流派一樣，聲音藝術在本質上可能是跨學科的，或者以混合形式使用。 根據 Brandon LaBelle 的說法，聲音藝術作為一種實踐利用、描述、分析、表演和詢問聲音的狀況及其運作的過程。

在西方藝術中，早期的例子包括 Luigi Russolo 的 Intonarumori 或噪音調音器（1913 年），以及達達主義者、超現實主義者、情境主義國際以及激浪派事件和其他事件中的后續實驗。 由于聲音藝術的多樣性，人們經常爭論聲音藝術是屬于視覺藝術領域還是實驗音樂領域，或者兩者兼而有之。 聲音藝術出現的其他藝術譜系是概念藝術、極簡主義、特定地點藝術、聲音詩歌、電聲音樂、口頭語言、前衛詩歌、聲音舞臺布景和實驗戲劇。

根據伯恩哈德·加爾 (Bernhard Gál) 的研究，該術語的首次使用出現在 Something Else Press 1974 年年鑒的封面上。 1979 年紐約現代藝術博物館 (MoMA) 的聲音藝術首次用作大型博物館展覽的標題，展出的有 Maggi Payne、Connie Beckley 和 Julia Heyward。 策展人芭芭拉·倫敦 (Barbara London) 將聲音藝術定義為與藝術的關系比與音樂的關系更密切，通常在博物館、畫廊或其他空間展出。

評論 1984 年在紐約市雕塑中心舉辦的名為“聲音/藝術”的展覽時，藝術史學家唐·戈達德 (Don Goddard) 指出：“聲音藝術可能堅持策展人海勒曼的看法，即‘聽覺是另一種形式的看’，” 只有當聲音與圖像的聯系被理解時，聲音才有意義......聲音和圖像的結合堅持觀眾的參與，迫使觀眾參與到真實的空間和具體的、反應靈敏的思想中，而不是虛幻的空間和思想。

聲音裝置是一種媒介和基于時間的藝術形式。 它是藝術裝置的擴展，因為它包含聲音元素，因此也包含時間元素。 與聲音雕塑的主要區別在于，聲音裝置具有三維空間，組織不同聲音對象的軸不僅在作品內部，而且在外部。 只有當藝術作品與周圍空間對話時，它才是裝置。 聲音裝置通常是針對特定地點的，但有時它可以重新適應其他空間。 它可以在封閉空間或開放空間中制作，環境是決定聲音裝置如何被審美感知的基礎。常規藝術裝置和聲音裝置之間的區別在于后者包含時間元素，這讓參觀者 公眾可以選擇停留更長的時間來探索聲音隨時間的發展。 這種時間因素也激勵觀眾更徹底地探索空間并研究空間中不同聲音的配置。

聲音裝置有時會使用互動藝術技術（計算機、傳感器、機械和動力裝置等），但也可以簡單地使用放置在空間不同點的聲源（如揚聲器），或聲學樂器材料，如彈奏的鋼琴弦 由表演者或公眾（見 Paul Panhuysen）。 在博物館的背景下，這種交互技術和多聲道揚聲器分布的結合有時被稱為聲音場景。

• 最簡單的聲音形式是重復的聲音循環。 這主要用于類似環境音樂的藝術，在這種情況下，聲音不是藝術作品的決定性因素。
• 最常用的聲音結構是開放形式，因為公眾可以決定只體驗幾分鐘或更長時間的聲音裝置。 這迫使藝術家構建一個能夠在這兩種情況下良好運作的健全組織。
• 也有可能擁有線性聲音結構，其中聲音的發展方式與音樂作品中的方式相同。

聲音雕塑是一種媒介和基于時間的藝術形式，其中雕塑或任何類型的藝術品產生聲音，或相反（在某種意義上，聲音被操縱以創造雕塑而不是時間形式或質量 ). 大多數情況下，聲音雕塑藝術家主要是視覺藝術家或作曲家，而不是直接開始制作聲音雕塑。

Cymatics 和動力學藝術影響了聲音雕塑。 聲音雕塑有時是針對特定地點的。